Rabiscando o pensamento

Jenny Holzer em projeções sobre a cidade

2012-01-18T13:29:00.000-03:00

http://www.jennyholzer.com/Projections/site/Poznan2011/

Referências do MINC para Tabelas de orçamento

2012-01-16T18:03:00.001-03:00

Abaixo envio uma links para tabelas com valores de mercado de serviços e mão de obra em Porto Alegre divulgadas pelo MINC para Rouanet:

MÃO DE OBRA
http://www.cultura.gov.br/site/wp-content/uploads/2011/12/Boletim-de-Pre%C3%A7os-M%C3%A3o-de-Obra-Set-Out-Nov-2011.pdf

SERVIÇOS
http://www.cultura.gov.br/site/wp-content/uploads/2011/12/Boletim-de-Pre%C3%A7os-Servi%C3%A7os-Set-Out-Nov-2011.pdf

referências arqueológicas (enviado por Mário Fontanive)

2012-01-16T10:17:00.001-03:00

http://www.historyofinformation.com/index.php?era=-2500000

Toques suaves _ Projeto Música para os Olhos (Giancarlo Lorenci e Tânia)

2011-12-19T21:24:00.001-03:00

Software para conjugação de verbos

2011-11-29T14:47:00.001-03:00

http://www.verbix.com/webverbix/

português:
http://linguistica.insite.com.br/cgi-bin/conjugue

javascript:void(0)

Ed Ruscha e as influências de Walker Evans e Robert Frank

2011-11-29T14:25:00.006-03:00

Ed Ruscha, do livro Twentysix Gasoline Stations, 1962: Denis Hopper, Los Angeles, 1961

Walker Evans, Truck and Sign, 1930

Duas das fortes Influências de Ed Ruscha foi Robert Frank e Walker Evans.
De acordo com Madalena Lello, tal afirmação foi publicada em primeira pessoa, em Março 2006, por ocasião da exposição no Jeu de paume - “Ed Ruscha - Photographe”, o artista, considerado um dos pioneiros da Pop Art, numa entrevista a um jornal respondia assim à questão sobre o seu interesse pela fotografia: “enquanto estudava tirei também um curso de fotografia onde tive consciência da importância de fotógrafos como Walker Evans e Robert Frank. Eles influenciaram-me muito, assim como Marcel Duchamp. Cresci no Oklahoma, que no imaginário das pessoas é uma terra perdida. Walker Evans “avait fait” Oklahoma, aliás como também Robert Frank…nunca me vi como fotógrafo, contudo sei que a fotografia teve uma influência indirecta na minha pintura”.

Ler mais: http://saisdeprata-e-pixels.blogspot.com/2008/09/de-regesso-walker-evans.html

Robert Frank e o sonho americano

2011-11-29T14:09:00.006-03:00

Em clima de road movie, publico uma das fotografias de autoria de Robert Frank, que, em 1955, saiu em retirada pelos Estados Unidos, ao registrar imagens que dariam origem ao livro THE AMERICANS.

Mais info:
http://saisdeprata-e-pixels.blogspot.com/2008/10/o-sonho-americano.html

Sobre desenhos automáticos ou doodle

2011-11-23T09:53:00.003-03:00

O verbo inglês to doodle tem vários significados mas pode ser interpretado literalmente como desenhar ao telefone referindo-se àqueles desenhos feitos ao correr da pena enquanto se conversa ou se pensa na vida... Para o desenhador André Franquin representam total liberdade criativa, o lado subjectivo e exclusivamente gráfico do famoso autor de Gaston Lagaffe. Nestes desenhos o desenhador roça a Abstracção Total e mesmo o Surrealismo, na sua vertente tão acarinhada da escrita automática que tantas vezes praticaram.
Leia mais: http://obviousmag.org/archives/2006/08/doodle_dee_dood.html#ixzz1eXL5KTlz

Mais info em: http://obviousmag.org/archives/2006/08/doodle_dee_dood.html

Julius Popp while setting up his work Bit.Fall in St Louis

2011-11-23T08:51:00.001-03:00

Entrevista com/interview with Gabriel Orozco

2011-11-23T08:35:00.001-03:00

fonte:http://www.pbs.org/art21/artists/orozco/

Thinking with Clay
ART:21: How did you find the brick factory in France where you made
your clay pieces and why did you choose to work there?

OROZCO: I was interested in working in a brick factory more than a
ceramic workshop. I was interested in the clay used to make bricks.
Mortar la cota, kind of porous, and more massive. I am interested in
the weight of my hands in this clay and the manipulation of a certain
amount of clay in relation to my body against a table and two or three
spheres. So this combination of elements: geometric and organic.
Organic—my hands, my body; and geometric—the table or the spheres. And
mass, which became a mass in movement, eroded by these forces.
Normally when you do pottery you try to make a pot or something, but
you are very much aware of this empty center space. In this case I was
not so interested in the center, but a mass. That mass is compressed,
moved, extended, eroded by these forces. And for that reason I needed
a clay that was special.

The workshop in France has this. It used to be a brick factory before
and now it's a ceramic workshop. They have these machines to produce
the combination of clay that I need, very fast. You can almost have a
small industry or process. You can have this mechanically quantity of
clay and then my body can act mechanically. It was very important that
my body become a kind of organic machine of constant movement, doing
almost a mechanic movement with the clay—that constant. It was an
activity that needed some rhythm connected with the machine producing
the clay, bringing it to the table, and then myself doing it as a
constant. So in one day you can do a whole amount of hours, like a
worker doing a mechanical thing. And for me that was important. Not so
much one object, but more a kind of body machine doing this action
with the clay.

ART:21: Are you more interested in the activity of the making or in
the end result?

OROZCO: I don't separate the making and the final result. I don't
separate the two. I think the balance for me is very important, the
balance of the making of something. This making is part of the final
result, is part of the final end of the story. And that's why, again,
the body in action, the individual in action, in relation with the
social space, the social materials, and economics of these is very
important. At the end you have an object, an installation, an image,
that reflects that relationship between that individual, the social
materials, the social displays, and the connection between dialogue
and the negotiation between private space and public space in every
object. And so, that's why for me, the making of the work and the
political implications of the making—how you make things—is part of
the final result of the work. That's why, you know, I don't have a
studio. But if I need a factory for something, or a workshop in France
to produce this type of activity, I do it.

ART:21: What's the impetus for these pieces? You're thinking of
making some work, thinking of clay, and you have an idea of the
result, your goal?

OROZCO: First, I decide where I would like to be in terms of
geography. That's the first thing. It's like, well, okay, I want to be
by the ocean, or in the city, or in hot or cold weather, or I would
like to be in the countryside or in the city for that time. And then,
also, at the same time, I'm working on ideas. So I try to add my ideas
to this location wish.

In the case of France I wanted, first, to do this pottery project. I
wanted to use a turn, which I never did before, and do these
interventions with the pots in the turn circulating. And then I was
smashing it with things and then I was doing other fragmented pots. I
was interested in the pots. Then we found this workshop and the clay
that I needed was there. I choose a place because of the idea, but
also because I wanted to be there in France. If I really wanted to be
in Mexico, I will do it in Mexico, which will be probably a different
thing because of the different conditions of work in Mexico. At that
point I wanted to do it in Europe, and especially in France. So it's a
combination of location and the idea, and just finding that situation
all together to make the work. But the idea is very important.

ART:21: So, why pots? It seems so basic.

OROZCO: It's the space of the pots, lately. I guess I'm thinking a
lot about the pots as a space of transportation, conservation,
everyday life, circulation. And in my work the idea of all this is
very important. Conservation, transportation, and the idea of
roundness has to do with movement and transportation and circulation.
So my interest in the round or in the sphere and the circle has to do
with movement and with erosion and the tendency of bodies to be round
when they have to move, when they have to be exposed to contact with
reality. That's why I did the "Yielding Stone" which is a plastocene
stone that, when it's rolled, gets the shape and also all the dust.
The contact with reality makes the shape of the sculpture.

In this case the first idea was to make these pots in which the turn
and the circularity will make this void and this pot. Of course, they
are not exactly pots. They are like plates or they are just circular
platforms in which I act, I do, I intervene. And then I call them pots
because it's easy and it makes sense and it's pots. But you can also
see them as an abstract circular platform with movement and
interventions. Like planets, or like disks, or like many other things.
And that is a pot. A pot is a very complex instrument and we see
plenty in human history. And, so again, that can be related with
Mexico if you want, but I think it can be related with Greece and it
can be related with everybody in the world because pottery is just
part of history in general. And that's my interest in it.

ART:21: What are you examining when making each piece? How do you
know if it's done?

OROZCO: You get the brute industrial piece of clay, which is this
square bunch of clay with no shape but the shape from the machine,
then I start to act on it against the table with the spheres and with
my hands. And with this movement you start to get a dynamic sense of a
body and of this space that is taking some shape. The clay is a
recipient because it's receiving all these action and all these forces
as a mass.

When I feel that it should be ready is a quite subjective thing. But
it's that the shape should represent what just happened before. And
sometimes it doesn't because maybe I overdid it or maybe there were
parts that lost their memory in the mass. So when I finish to do this
action with the clay I just check around. I move, I walk around and I
see that every face and every part of the mass represents what really
happens with clarity and simplicity. And that when someone else is
going to walk around or is going to take it, they too can see what
really happened. And that's why sometimes it looks clear and then the
piece is finished. Sometimes I have to do it again. Sometimes I can
spend half an hour with one piece and sometimes the other work is just
in five seconds. But the criteria, more or less, is the work is
finished when it represents what really happens in the action of doing
it.

When an object has a logic on its own, it starts to talk of many other
things. It's not that it represents anything, but it represents its
own reason to exist, in a way, as a material—as clay, terra cotta, in
relation with bricks, in relation with construction, with pottery,
with many things, and the body. Then it's representing the movement
that makes the shape. And then it can talk and express other things,
suggest food, look like a fish, or something else. On its own it has a
finish and a reason that somehow justifies that it exists.

ART:21: For the viewer that sees the completed show of these clay
works, how are you thinking that the person will respond? Are you
interested in the response?

OROZCO: Sure. Yes. Art happens in that space between the spectator
and the work. It's that space in between that finalizes the work of
art. And in the case of the terra-cotta works, they are especially
artistic—on the one hand very artistic, on the other very hermetic.

But then they were also for me very mysterious. I was trying something
I never did before. When you are doing this you are doing it for
yourself, because you will be a spectator also. And when you finish
this that you are trying, you will also be in the position of the
spectator. And I don't like the word spectator, because a spectator is
a passive word, and I don't think the spectator should be considered
passive. It should be more like the activator or something like that.
So it's that person who is going to activate that work or the object
or the photograph in their brain and they're going to start to make it
work, make it happen, in terms of memory, emotions, and etcetera.

As an artist, when you do something that didn't exist before or that
you never saw before, you need to do it because you are going to later
on be the activator of that. I see it for the first time after I
finish, right there fresh. And sometimes it works and sometimes it
doesn't. It's a subjective thing. Sometimes I let it go even if it
doesn't work so much for me. I say, "Well, let's wait and see, just
take it out." In the case of the clay pieces I am quite easy with
them. I let them go. And I take it quite light in that sense. Just go
on, see what happens.

ART:21: What happens after you think a piece is ready?

OROZCO: After I feel it's ready when the action is enough in the
clay, then I just go for the next. And then this one goes out and has
to dry for two months, because there's quite a lot of water inside the
clay and it's massive and so it has to dry for a long time. And we
fire the clay with wood. The firing is also hazardous, because there
can be quite a lot of accidents and it can crack the piece and also
the color variation is uncontrollable. That is nice, too. It really
looks like a brick, the different tonalities. It's a very
straightforward process. Classic, simple. I'm not so interested in
colors and finishes. It's just a regular kind of brick production.

ART:21: When you installed the show in the gallery, what decisions
were you making?

OROZCO: In this case I decided to use market tables that are quite
common in Paris. They are wood panels with metal legs and they use
them in the markets outdoors. So there is the transportation—very
flexible, very easy to move. So I display these tables and on each
table I put one or two pieces. I think this was a nice connection
because some of the pieces look a little bit like food, or bread, or
fish, or a recipient of some kind of food. And then I thought it was
appropriate to have that reference to all these things in the market.
And in the case of the piece in Documenta, it was altogether a group
of forty variations of plates and pottery. And in this case they were
more like single pieces on tables.

ART:21: Were those allusions to food intentional, or did they just happen?

OROZCO: I think they just happened. I was not thinking so much when I
was doing the work that it has to look like bread, or it has to look
like a fish, or it has to look like anything. So when I was doing it
it was more subjective, just like doing it in the moment. It depends
also in the firing, with the color and the final shape. Some of them
came out the way they did because firing clay is a very similar
process to how they prepare bread or how they cook. It's similar—how I
manipulate these things and how people do food and prepare things. So
in the end it looks like that because the process of the movement of
the hand is quite common in many activities. So then you have this
shape. But it was not intentional in terms of imitating, it was just a
consequence of a common logical activity.

ART:21: Could you talk about the process of making things with your
hands versus a mental thinking process?

OROZCO: The thinking process has many levels and I try to explore how
it is related to the body in many different ways. To be static, to be
seated, to be walking, to be moving, to be looking at the ocean, in a
train. To be working with my hands in a drawing, like a concentrated
field, or in a more expanded field with objects in a situation, or
with the clay and very physical. This all generates a stimulus in the
brain and you are thinking. But the connection between the brain and
the body and the breathing and the sweating and the time that you
spend and how you slow down thinking or you accelerate thinking is
very important for me because you just generate the different aspects
of thinking. I am interested in all of them. I try to combine them
because I cannot just be thinking statically. And I cannot just be
writing. I like to move and I like to be more physical.

I think in the final result of the piece the thinking process should
be evident. It should be evident, the brain that did that work. Not
just the hands, not just the mold, not just the physical and technical
aspect of the making. It's much more important that the intellectual
aspect of the making of the work is evident in the final result of the
work. I think that is what is really going to generate the space of
communication when someone looks at something that makes thinking
happen in the receptor. The shape at the end has to do with provoking
the space for thinking.

That's why I'm not so much concerned in words in my work, because I
don't think I need words in the work to generate thinking. I think you
can do it through the objects if the objects have content and some
serious thinking involved. Then they are quite open to receive new
thinking from the visitor.

ART:21: Was there an underlying order or relationship to the
placement of clay works on the tables?

OROZCO: No, there wasn't a specific order. I wanted it so that you
can see each one separated as a single work. So you can walk around
and they are on the table. They were made on a table. So the height
and the space of the table is just the appropriate space and height
for the work, because it's how I was looking at it when I was
manipulating it. And the table is very important in my work in
general. I have these working tables and I work on a table. And for me
the table is this platform of action in which we do so many things.
That is very important in my work.

In the show I did try to make connections with the photographs that I
took in Mali in July. I did this trip to Mali for three weeks and I
took some photographs that are connected with the work. And they are
very different, but there are some connections like the cemetery of
Timbukutu which I found in the trip. I found this cemetery because I
was interested in the pottery and the ceramics. When I did this trip
to Mali in Africa the reason was to search for ceramics traditions, to
understand, to learn, to enjoy what they do because it's a great
tradition in Mali. And then I discovered this cementery in Timbuktu.

It's interesting how the work takes you to discover places that you
would never discover if it's not because you were doing this work. So
that connection between what you do and what you discover afterwards
is very interesting. In this aspect, in the show, you have these
tables with these ceramics on one side. And on the other, on the
walls, you have these photographs of Mali. There isn't a direct
connection. But there is something that is evidently the same person
who is interested in these things. And there are many reasons for
that.

O gesto em Pina Bausch

2011-11-23T08:27:00.001-03:00

Pina Bausch fala sobre o gesto em fragmento de artigo de Ciane Fernandez:

"Quando um gesto é feito pela primeira vez no palco, ele pode ser
(mal) interpretado como uma expressão espontânea. Mas quando o mesmo
gesto é repetido várias vezes, ele é claramente exposto como um
elemento estético. Nas primeiras repetições, o gesto gradualmente se
mostra dissociado de uma fonte emocional espontânea. Eventualmente, as
exaustivas repetições provocam sentimentos e experiências em ambos
dançarino e platéia. Significados são transitórios, emergindo,
dissolvendo, e sofrendo mutações em meio a repetições. Estas provocam
uma constante transformação da dança teatro dentro da linguagem
simbólica."

A CAÇA E O CAÇADOR

2011-11-23T08:19:00.000-03:00

"A busca de conhecimento, em seu aspecto tanto artístico como científico, pode ser entendida como um jogo perceptual com aspectos parecidos a da predação, a esse estado de alerta que implica a espreita do objeto desejado: perceber é a estilização imaginária da caça. Conceber é uma estilização simbólica da caça. A percepção impica uma investigação da melhor maneira de agarrar o objeto. A palavra investigação vem de vestigo que quer dizer seguir os rastros da presa. Conceito vem de cum capire que significa agarrar com força." (IREGUI , 1995, sem numeração)

Referência completa: IREGUI, Jaime. Ensayo Geral. Curadoria de Marie Lapalus & Jose Ignacio Roca. Santiago do Chile: Museo de Arte Contemporâneo, Nov-Dic. 1995)

Doação ao MAC/RS - 2011

2011-10-20T11:06:00.001-03:00

Doação ao MAC/RS - 2011, a photo by Liu Maus on Flickr.

A obra fica em exposição na CCMQ (6º andar) até 25 de outubro. Faz parte das novas doações recebidas pelo museu.

Entrevista com/Interview with Victor I. Stoichita

2011-10-04T12:17:00.002-03:00

Your book is the first study of its kind. Why do you think the subject was previously so overlooked?

I actually started my research with that very question. Just before the publication of my book, an exhibition on shadows was organized at the National Gallery in London, accompanied by a short but interesting text by the late Ernst Gombrich. But previously art historians took a long time in paying attention to shadows because shadows are, so to speak, heavy, dark, and ugly. Perhaps this is because for the Greeks, the shadow was one of the metaphors for the psyche, the soul. A dead person’s soul was compared to a shadow, and Hades was the land of shadows, the land of death.

More info:
http://www.cabinetmagazine.org/issues/24/stoichita.php

E-book: http://books.google.com/books?id=1ssrLKfPY1wC&printsec=frontcover&hl=pt-BR&source=gbs_ge_summary_r&cad=0#v=onepage&q&f=false

Slideshow no flickr da expo Área de Cultivo

2011-07-13T13:06:00.004-03:00

http://www.flickr.com/photos/lilianmaus/sets/72157627054850557/show/

Na exposição "Área de Cultivo", de Lilian Maus, a ser inaugurada no dia 7 de julho, quinta-feira, às 18h30, na Galeria A Sala, do Centro de Artes/UFPEL (Rua Alberto Rosa, 62 – Pelotas/RS), a artista, integrante do Atelier Subterrânea (Porto Alegre), apresenta desenhos que migram de cadernos autorais, contendo textos-desenhos, para desenhos aquarelados de grande formato e também para a arquitetura do espaço expositivo.

O que: Exposição individual "Área de Cultivo", de Lilian Maus
Abertura: 7 de julho, quinta-feira, às 18h30 (entrada franca)
Local: A Sala / Galeria do Centro de Artes – UFPEL (Rua Alberto Rosa, 62 – Pelotas/RS)
Visitação: de segunda a sexta-feira, das 9h às 12h e das 14h às 18h
Encerramento: 10 de agosto de 2011

Conversa com artista: dia 8 de julho, sexta-feira, às 10h30, no auditório do IAD (Rua Alberto Rosa, 62 – Pelotas/RS)
Mais informações: www.galeriaiad.blogspot.com

O desenho como área de cultivo - por Flávio Gonçalves, 2011.

2011-07-12T13:16:00.013-03:00

I

Para os antigos uma imagem servia a instruir, lembrar e emocionar. Ela tinha ainda o poder de transitus, permitindo que pudéssemos contemplar a partir dela as coisas invisíveis, o mundo sensível transfigurado em presença. Vivemos ainda os mistérios da imagem, já que a nossa voracidade em relação a ela é maior que o nosso entendimento. Aquela que surge da inscrição gráfica, o desenho, é a que nos aventuramos desde a infância; e que faz renascer em nós essa antiga tríade que nos temporaliza.

Os desenhos de Lilian Maus começam pela água através dos caminhos que o líquido cria em contato com o papel. Se existe um plano outro é o de esperar que ela evapore e que a mancha indique por onde prosseguir; e se possa adicionar mais camadas, cores, fazendo do fundo berço, nascedouro do trabalho. A memória da água é diferente da memória do gesto, e isso faz com que em seu trabalho a artista cultive os dois por fortuna e por leveza.

Um desenho talvez não precise esperar para secar, imediato que é. Mas é preciso esperar que ele brote, cresça e lentamente se revele. Um tempo para que a ideia se aceite como nova, para que a aceitemos como nossa. As metáforas de semeadura, crescimento e disseminação fazem com que pensemos a inscrição gráfica ainda mais como um espaço para o cultivo das ideias, para a revelação de memórias.

II

O sulco, a vala, o buraco de onde uma imagem nasce nos reposiciona em relação a nossa origem. Do mesmo modo que os encontros nos fazem pensar de onde partimos. O futuro é o modo temporal da projeção, onde conduzimos e somos conduzidos. Assim, o universo de referências construído pelo artista é alimentado por esses encontros e esses caminhos, da coleta daquilo que pode estar em perspectiva com seu modo de olhar o mundo, atualizando sua sensibilidade. A percepção desse material promove ainda outros deslocamentos, fazendo com que essas referências coletadas despertem relações pouco evidentes quando vistas de forma parcial ou isolada.

Lilian gosta de pensar que seus trabalhos formam um jardim (e me vejo olhando para os pátios, pois o jardim dos outros é sempre mais misterioso que o nosso). Talvez por isso o desenho seja seu instrumento de trato, um meio onde a leveza ganha gravidade. É assim que vejo suas letras e frases em plástico, grudadas em linhas e ramas, esperando um leitor que lhes dê sentido, que ande em torno e que as trate como hera, símbolo do contínuo que são.

Dos encontros da artista, Lilian reuniu séries como Área de cultivo, onde são fotografadas manchas, fungos e outras culturas que nos lembram o modo como seus desenhos, aos poucos, fecundam e germinam a folha de papel. O que a artista põe em relação são esses processos ao acaso que formam a periferia da nossa atenção, e que ela transforma em ação e determinação. Um trabalho simples que a arte procura nos fazer perceber: por vezes algo do tempo se condensa em nós, vira matéria, pesa e desaparece.

Salva pelo quase

2011-06-07T14:25:00.014-03:00

ela estava cansada do jogo.
parecia conhecer os pormenores de cada um de seus esconderijos, todos os velhos truques, e enjoava ao olhar as cartas q permaneciam imóveis na mesa.
o interior a sufocava.
ao mirar as janelas, avistava ar puro, iludia-se com o movimento.
desejava ser aquela pequena mosca cega a bater no vidro com perspicácia, num impulso insano da vida a ignorar a morte.
queria acreditar num fluxo sem fim, queria jogar-se por inteiro. acreditar na própria sorte, como faz o animal. e só.

sua vida em um lance de dados: o resultado foi 4 + 2.

concluiu que, naquela manhã, andaria 4 km e, pela tarde, mais 2km.

tão logo ela correu para colocar o tênis, começara a chuva, carregando consigo a sensação de que ela fora salva pelo quase.
abriu a janela, a mosca se foi. então ela sentiu o gotejar gelado em seu rosto.
ela encerrava-se ali.

Memória e Cézanne

2011-06-02T20:27:00.000-03:00

“Vemos a profundidade, o aveludado, a maciez, a dureza dos objetos – Cézanne dizia mesmo: o seu odor” .

"We see the deep, velvety softness, the hardness of objects - even Cézanne said: your scent."

Pequenos contornos

2011-01-10T10:25:00.001-03:00

Pequenas inundações

2011-01-08T09:19:00.006-03:00

Impedida de pensar pelo mormaço que atravessa as paredes de sua casa, ela sente todo o seu corpo amolecer. O próprio pensamento está lento e a cabeça pesa. Estirada no sofá, respirar lhe basta. Será? Ao longe, avista um amarelo intenso. É a luva solitária a brilhar sobre o granito negro no tanque da despensa. No sofá, primeiro se deslocam as pernas e os pés, depois as mãos e os braços e, por fim, a pesada cabeça. Ela está de pé a caminho da luva amarela, comungando com seus fragmentos. Suas mãos pegam a luva, um sopro a torna balão, com a torneira ligada, a água lhe dá peso e uma forma engraçada, a mão está submersa. Não há um furo sequer. Sua mão encontra seu lugar neste pequeno esconderijo inundado e deslizante, onde os pequenos prazeres parecem escorregar por entre os dedos.

Lua crescente e estrelas azuis em céu rosado ou quando o céu cabe na palma da mão

2010-11-22T21:19:00.002-03:00

Pensamentos de Marina Abramovic

2010-11-18T07:25:00.004-03:00

EU QUERO MENOS
"estamos tão envolvidos com consumo, uma sociedade que nos faz cada vez mais querer mais e mais, que agora eu quero menos"

SOBRE DURAÇÕES
"Se você faz uma ação de uma hora, você ainda está atuando, mas depois de seis horas, tudo desmorona, torna-se verdade essencial. E para mim, esse tipo de verdade é muito importante. Posso dar um exemplo muito simples: pegue uma porta e abra ela constantemente, sem entrar ou sair. Se você faz isso por três, cinco minutos, isso não é nada. Mas se você faz isso por três horas, essa porta não é mais uma porta, ela é um espaço, o Cosmos, se transforma em outra coisa, é transcendente. Em todas as culturas arcaicas, rituais e cerimônias eram repetidas sempre da mesma forma e existe um tipo de energia que fica alocada nessa repetição que afeta também o público. Isso só se consegue em performances de longa duração."

ARTE COMO FERRAMENTA
"Há uma ótima entrevista de André Malraux, quando ele era ministro da Cultura, na França, com Picasso, acho que nos anos 1950. Ele perguntou a Picasso porque ele tinha tantas máscaras africanas e ele respondeu que as máscaras eram muito importantes porque elas eram a chave, a ferramenta para os humanos se comunicarem com as forças divinas, com os espíritos, o desconhecido; e ele queria aprender a fazer o mesmo com suas pinturas".

Leia entrevsita na íntegra:
http://www1.folha.uol.com.br/ilustrada/831250-leia-a-entrevista-de-marina-abramovic-na-integra.shtml?ref=nf

MANIFESTO DE MARINA ABROMOVIC:

Manifesto sobre a vida do artista
Marina Abramovic

1 a conduta de vida do artista:
- o artista nunca deve mentir a si próprio ou aos outros
- o artista não deve roubar idéias de outros artistas
- os artistas não devem comprometer seu próprio nome ou comprometer-se com o mercado de arte
- o artista não deve matar outros seres humanos
- os artistas não devem se transformar em ídolos
- os artistas não devem se transformar em ídolos
- os artistas não devem se transformar em ídolos

2 a relação entre o artista e sua vida amorosa:
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista
- o artista deve evitar se apaixonar por outro artista

3 a relação entre o artista e o erotismo:
- o artista deve ter uma visão erótica do mundo
- o artista deve ter erotismo
- o artista deve ter erotismo
- o artista deve ter erotismo

4 a relação entre o artista e o sofrimento:
- o artista deve sofrer
- o sofrimento cria as melhores obras
- o sofrimento traz transformação
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito
- o sofrimento leva o artista a transcender seu espírito

5 a relação entre o artista e a depressão:
- o artista nunca deve estar deprimido
- a depressão é uma doença e deve ser curada
- a depressão não é produtiva para os artistas
- a depressão não é produtiva para os artistas
- a depressão não é produtiva para os artistas

6 a relação entre o artista e o suicídio:
- o suicídio é um crime contra a vida
- o artista não deve cometer suicídio
- o artista não deve cometer suicídio
- o artista não deve cometer suicídio

7 a relação entre o artista e a inspiração:
- os artistas devem procurar a inspiração no seu âmago
- Quanto mais se aprofundarem em seu âmago, mais universais serão
- o artista é um universo
- o artista é um universo
- o artista é um universo

8 a relação entre o artista e o autocontrole:
- o artista não deve ter autocontrole em sua vida
- o artista deve ter autocontrole total com relação à sua obra
- o artista não deve ter autocontrole em sua vida
- o artista deve ter autocontrole total com relação à sua obra

9 a relação entre o artista e a transparência:
- o artista deve doar e receber ao mesmo tempo
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber
- transparência significa receptividade
- transparência significa doar
- transparência significa receber

10 a relação entre o artista e os símbolos:
- o artista cria seus próprios símbolos
- os símbolos são a língua do artista
- e a língua tem que ser traduzida
- Às vezes, é difícil encontrar a chave
- Às vezes, é difícil encontrar a chave
- Às vezes, é difícil encontrar a chave

11 a relação entre o artista e o silêncio:
- o artista deve compreender o silêncio
- o artista deve criar um espaço para que o silêncio adentre sua obra
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento
- o silêncio é como uma ilha no meio de um oceano turbulento

12 a relação entre o artista e a solidão:
- o artista deve reservar para si longos períodos de solidão
- a solidão é extremamente importante
- Longe de casa
- Longe do ateliê
- Longe da família
- Longe dos amigos
- o artista deve passar longos períodos de tempo perto de cachoeiras
- o artista deve passar longos períodos de tempo perto de vulcões em erupção
- o artista deve passar longos períodos de tempo olhando as corredeiras dos rios
- o artista deve passar longos períodos de tempo contemplando a linha do horizonte onde o oceano e o céu se encontram
- o artista deve passar longos períodos de tempo admirando as estrelas
no céu da noite

13 a conduta do artista com relação ao trabalho:
- o artista deve evitar ir para seu ateliê todos os dias
- o artista não deve considerar seu horário de trabalho como o de funcionário de um banco
- o artista deve explorar a vida, e trabalhar apenas quando uma idéia se revela no sonho, ou durante o dia, como uma visão que irrompe como uma surpresa
- o artista não deve se repetir
- o artista não deve produzir em demasia
- o artista deve evitar poluir sua própria arte
- o artista deve evitar poluir sua própria arte
- o artista deve evitar poluir sua própria arte

14 as posses do artista:
- os monges budistas entendem que o ideal na vida é possuir nove objetos:
1 roupão para o verão
1 roupão para o inverno
1 par de sapatos
1 pequena tigela para pedir alimentos
1 tela de proteção contra insetos
1 livro de orações
1 guarda-chuva
1 colchonete para dormir
1 par de óculos se necessário
- o artista deve tomar sua própria decisão sobre os objetos pessoais que deve ter
- o artista deve, cada vez mais, ter menos
- o artista deve, cada vez mais, ter menos
- o artista deve, cada vez mais, ter menos

15 a lista de amigos do artista:
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito
- o artista deve ter amigos que elevem seu estado de espírito

16 os inimigos do artista:
- os inimigos são muito importantes
- o Dalai Lama afirmou que é fácil ter compaixão pelos amigos; porém, muito mais difícil é ter compaixão pelos inimigos
- o artista deve aprender a perdoar
- o artista deve aprender a perdoar
- o artista deve aprender a perdoar

17 a morte e seus diferentes contextos:
- o artista deve ter consciência de sua mortalidade
- Para o artista, como viver é tão importante quanto como morrer
- o artista deve encontrar nos símbolos da sua obra os sinais dos diferentes contextos da morte
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo
- o artista deve morrer conscientemente e sem medo

18 o funeral e seus diferentes contextos:
- o artista deve deixar instruções para seu próprio funeral, para que tudo seja feito segundo sua vontade
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida
- o funeral é a última obra de arte do artista antes de sua partida

Micronarrativas - dicas de James Zortéa

2010-10-13T18:57:00.000-03:00

http://www.rci.rutgers.edu/~jbass/courses/402/402_mcguire_here.htm

Gotinhas d'água sempre dão um jeito de entrar no sapato. É melhor não ter medo de se molhar.

2010-10-11T02:28:00.003-03:00

Fotos do processo de montagem atualizadas no Flickr

2010-09-01T01:15:00.005-03:00

Pessoal,
pra quem tiver curiosidade, aí vai o link com fotos da montagem (by Gerson Derivi Marques) da minha exposição no Museu do Trabalho, que fica em cartaz até 17 de outubro:

www.flickr.com/lilianmaus

Violeta Parras para acompanhar o trecho de Goethe

2010-08-14T01:07:00.000-03:00

Trecho de Goethe - sobre o prazer do olhar

2010-08-13T21:12:00.002-03:00

Felizes, vós olhos
Que tudo o que vistes,
Não importa o quê,
Foi um prazer ver

Exposição Tramas Diárias - Museu do Trabalho

2010-08-03T14:06:00.006-03:00

Imagens de divulgação da exposição Tramas Diárias (foto postada acima clicada por Túlio Pinto) - individual Lilian Maus / Museu do Trabalho - Porto Alegre dia

ABERTURA: 25 de agosto de 2010.

Por aqui, sigo trabalhando muuuuuuuuuito!!!

Fragmento precioso de Octavio Paz

2010-07-19T00:19:00.000-03:00

“Allá, donde terminan las fronteras, los caminos se borran. Donde empieza el silencio. Avanzo lentamente y pueblo la noche de estrellas, de palabras, de la respiración de un agua remota que me espera donde comienza el alba.”

Esperava que a brisa viesse de mansinho, recobrando vida àquele fóssil intacto de borboleta. Ela permanecia congelada no tempo, em pleno pouso

2010-07-06T14:53:00.008-03:00

Ao meio-dia, toda iluminada, ela soprava a pluma no jardim até seu fôlego acabar

2010-07-06T14:31:00.007-03:00

Mergulhos interiores

2010-07-02T00:30:00.020-03:00

Às vezes, ela se sentia sugada pelo olhar dele. Um homem de pupilas dilatadas que a inquietava. Não eram apenas seus olhos trêmulos, ele lançava ruídos no ar. Seu cheiro e sua voz tomavam conta de um ambiente inteiro, trazendo-lhe inúmeras lembranças que não passavam pela mente, mas, através de todos os seus orifícios, a penetravam. Tudo a fazia convergir em torno daquele olhar de neblina. Bastavam alguns segundos para os orifícios negros daquele homem se tornarem poços profundos e simétricos, que a convergiam ambos para um único lugar: um túnel negro e úmido, em que, entre atração e repulsa, ela se deixava sugar.

Ao mergulhar nele, deparava-se com alguns pontos luminosos pulsantes, que lhe apontavam limites ou, quem sabe, saídas. Pontos claros que, feito estrelas, iluminavam a noite, revelando um brilho intenso que rasgava a superfície de olhos lacrimejantes. Ela,então, encontrava sua própria imagem refletida. Ver-se ali a reconfortava.

Nesses dias de mergulho, costumava também sonhar com uma noite clara,em que ela não teria mais medo do escuro, nem do silêncio. Nessa noite, os seus suspiros áridos cessariam e ela experimentaria a vida menos grave, apenas submergindo. Um mergulho sem volta, que transformaria todo o oco de seu umbigo em um grande orifício de
baleia. Pouco a pouco, seu corpo se moldaria à correnteza, ausentando-se de todo peso. E ela permaneceria sonhando com o dia em que serviria de isca aos olhos da criança pega de surpresa, ao brincar com o caniço na beira do rio que a transformara.

Nesse dia, como um raio de luz na tempestade, ela seria o motivo de todo espanto, o próprio desconhecido. Ao despertar do sono provocado pelas sombras daquele homem misterioso, ela sentiu saudades de certos fluidos, de tantas neblinas que um dia romperam, agudamente, a divisão entre luz e penumbra, entre homem e mulher.

Take Away Show #106 _ PABLO MALAURIE (part 1) from vincent moon / temporary areas on Vimeo.

Take Away Show #106 _ PABLO MALAURIE (part 2) from vincent moon / temporary areas on Vimeo.

Fotos da abertura da exposição Móbiles - Nelson de Magalhães (org. Lilian Maus)

2010-06-09T13:53:00.007-03:00

Pessoal,

abaixo posto imagens enviadas por Mário Fontanive, tiradas do seu cel durante a abertura da exposição Móbiles, que está imperdível.

Vejam aí:

MAIS IMAGENS EM: http://www.espmfoto.com.br/site_antigo/public_html/eventos/

Exposição Móbiles, de Nelson de Magalhães (Org. Lilian Maus)

2010-06-04T20:06:00.007-03:00

Imagem dos escritos e esboços para os móbiles, de Nelson de Magalhães (foto de Dedé Ribeiro)

Convido a todos para a exposição "Móbiles", de Nelson de Magalhães (Organização: Lilian Maus)
Abertura: sábado, 5 de junho, às 11h (entrada franca)
Local: Espaço Cultural da ESPM/RS (R. Guilherme Schell, 268 – Porto Alegre)
Visitação: de segunda a sexta, das 8h às 22h, e aos sábados, das 9h às15h
Encerramento: 22 de julho de 2010
Conversa com artista: 22 de junho, terça-feira, às 11h20min (entrada franca)
Informações e agendamento de visitas: espacocultural-rs@espm.br ou tel. 3218.1300

Ebooks apontados por Café Filosófico

2010-04-01T16:42:00.001-03:00

Vale a pena dar uma olhada nos links apontados pelo Café Filosófico.
Várias referências pra download.

http://cafesfilosoficos.wordpress.com/about/e-books/

Nelson Goodman e o "quando é arte?"

2010-03-29T19:15:00.002-03:00

Artigo esclarecedor sobre Nelson Goodman.
por Isabel Rosete, 2007

Alguns Dilemas da Estética Contemporânea: Arte e Simbolização

http://isabelrosere.multiply.com/journal/item/9/9

Paralelos entre a arte e o sorriso

2010-03-29T19:10:00.003-03:00

Lendo uma entrevista de Waltércio Caldas a Felipe Scovino no livro lançado recentemente "Arquivos Contemporâneos", retirei uma pérola poética da fala de Waltércio. A referência dele foi "O nascimento da arte", de George Bataille. Estou louca pra ler. Aí vai aproximadamente o dito:

A arte e o sorriso nasceram na mesma época e pelo mesmo motivo: no espanto do homem a perceber-se mortal.

O grande mistério da vida - André Malraux

2010-03-23T20:50:00.001-03:00

"O grande mistério não é termos sido lançados aqui ao acaso, entre a profusão da matéria e das estrelas: é que, da nossa própria prisão, de dentro de nós mesmos, conseguimos extrair imagens suficientemente poderosas para negar a nossa insignificância."

André Malraux in A Condição Humana, 1933.

Vídeo sobre Rauschenberg e sua obra Erased De Kooning

2010-03-21T22:59:00.002-03:00

Vale a pena assistir o vídeo!

http://mais.uol.com.br/view/9c508uckp29e/robert-rauschenberg-fala-sobre-a-obra-erased-de-kooning-040268D09933E6?types=A&

Algumas curiosidades de René Magritte

2010-03-21T11:35:00.013-03:00

Encontrei este texto com alguns dados biográficos de René Magritte:

"Magritte os odiava [dados biográficos], e irritar um artista já falecido é uma atitude que ele certamente aprovaria do alto de seu pedestal surrealista. "Detesto meu passado, assim como o de qualquer pessoa. Detesto a resignação, a paciência, o heroísmo profissional e os belos sentimentos obrigatórios. Também detesto as artes decorativas, o folclore, a publicidade, vozes anunciando algo, a aerodinâmica, os escoteiros, o cheiro de naftalina, fatos do dia, e gente bêbada." Tomemos, pois, mais um gole de uísque e continuemos com os dados biográficos."

"Magritte pouco se lembrava da própria infância, e suas memórias ficariam melhor num de seus quadros que numa autobiografia, já que se referem a fantasias de padre, a misteriosos baús e a eventos estranhos como um par de balonistas com roupas de couro que ficaram presos ao teto de sua casa, com o respectivo balão murcho e inútil. Junto a este enevoado de lembranças, aparece a morte da mãe de Magritte, afogada em 1912. O pai mudou-se então, com René e seus dois irmãos, para Charleroi, onde o artista conheceria sua futura esposa e modelo de muitas telas, Georgette Berger."

Fonte: http://www.burburinho.com/20030427.html

Deu-me uma vontade enorme de pesquisar mais a fundo esta história.

Sobre a imagem acima, uma fotografia da obra "A Tempestade", de Magritte, pergunto:

Seria um presságio da tempestade ou talvez a metáfora de dois amantes?
Seria uma junção de fragmentos ou uma denúncia da separação originária?
Ou seria antes uma décollage conceitual, em que esses fragmentos de imagens aludem a diferentes tempos (a imobilidade dos cubos, a tensão das nuvens a prometer movimento, o céu num límpido gradiente de azuis)?

O que me parece mais intrigante nesta imagem talvez nunca me ocorresse se estivéssemos frente a frente: a interferência sutil do aparato fotográfico que a captou. Olhando com cuidado, é possível perceber uma janela ao fundo, uma espécie de reflexo sutil do provável vidro que protege a obra. Pouco a pouco, esses resíduos impregnados na transparente (será?) superfície do vidro revelam todo um mise-en-scène, rico em silhuetas, janelas, paredes, outras pinturas. Um outro mundo cabe na tela, fazendo da imagem uma janela/espelho, inviolável enquanto projeção refletida, mas também permeável aos mergulhos que nos levam para dentro de nós mesmos.

A Caixa Verde de Duchamp - muito comentada e imagem pouco difundida

2010-03-19T19:59:00.008-03:00

Imagem retirada do blog:
http://mileumanotas.wordpress.com/2008/04/14/para-guardar-segredos/, possivelmente de autoria da própria autora do blog.

Achados de Joan Brossa: o museu portátil

2010-03-18T19:58:00.005-03:00

Joan Brossa, artista catalão nascido em 1919, possui uma obra vigorosa e intrigante. Teve passagem pelo Brasil e manteve trocas com alguns poetas concretos brasileiros.

Segundo Marcelo Terça-Nada:

"Toda sua vida pode ser vista como um processo de experimentação constante que resultou numa impressionante obra plástica e poética: numerosos trabalhos de poesia em verso, poesia visual, poesia objeto, instalações, poemas transitáveis (esculturas-poema em locais públicos), poemas cênicos (textos para teatro) e roteiros cinematográficos." (http://marcelonada.redezero.org/artigos/joan-brossa.html)

Achei essa fotografia fantástica, obra titulada Museu (1996), queria eu tê-la feito!
Muita confluência com o que venho pensando... uma lição e tanto!

Rimbaud - "Porque Eu é um outro"

2010-03-10T21:22:00.003-03:00

"Porque Eu é um outro. Se o cobre se descobre clarim, não há aí nada de culpa sua. Isso é evidente para mim: assisto à eclosão do meu pensamento: vejo-a, escuto-a: lanço um movimento com o arco: a sinfonia vai abalando as profundezas, ou salta de repente para o palco."

Fragmento de CARTAS DO VISIONÁRIO, de Arthur Rimbaud para GEORGES IZAMBARD
Charleville, [13] de Maio de 1871

Maurice Nadeau, no livro "A História do Surrealismo" aponta a importância de Rimbaud para o Surrealismo, resgatando uma frase de André Breton escrita originalmente em "Caractères de l'evolution moderne", Les Pas Perdus: "Se aquilo que ele traz de 'baixo' tem forma, ele dá forma; se é informe, ele dá o informe." (Breton citado por Nadeau, p.41)

E Nadeau continua: "O importante é não romper a corrente, manter esta atividade fora das preocupações da arte e da beleza. O risco vale a pena: trata-se nada mais nada menos de chegar ao desconhecido. Neste contexto, o poeta se faz 'vidente', 'ladrão de fogo', 'multuplicador de progresso', à custa de 'horrível trabalho'." (p.41)

Zizek e suas piadinhas sórdidas. Genial!

2010-03-08T13:05:00.003-03:00

Hoje um humor negro paira no ar.

Resumo para o CBHA: escritos de artista e os arquivos em transformação

2010-03-06T17:53:00.003-03:00

Ao longo do séc. XX, muitas foram as discussões acerca da neutralidade do documento. Já em 1940, Walter Benjamin, nas suas teses Sobre o conceito da História, apontava a barbárie que envolve o processo de documentação da cultura, evidenciando assim o caráter político presente no momento de seleção, formação, conservação, interpretação e uso desses arquivos. Também Michel Foucault, em A Arqueologia do saber, revisa os conceitos de documento e de arquivo que a mutação dos paradigmas da história, quando entendida como uma discursividade em processo, tornaria possível. Nesse sentido, é a partir de 1960/70, com as revisões pós-estruturalistas da história e com a expansão das linguagens artísticas, que a relação entre obra de arte e o seu processo de documentação e de circulação – que inclui os escritos de artista – torna-se mais complexa e estreita. Os próprios documentos do e/ou sobre o processo passam a ser exibidos também como obra, num jogo ambíguo e crítico em que o artista questiona, ao mesmo tempo, os estatutos de obra e documento, circunscrevendo-os a um tempo e lugar específico. As perguntas que permeiam essas manifestações artísticas estão na própria base do conceito de arquivo. Segundo Jacques Derrida, o arquivo, em sua etimologia, remonta-nos à palavra grega arkhé, que condensaria um duplo significado: o de começo e o de comando. Afinal, não estariam os artistas, ao organizarem seus escritos em arquivos, perguntando a quem caberia o poder de custódia da memória? Ao oferecer a público os documentos do e/ou sobre o processo artístico, e não apenas a obra de arte única e acabada, vemos pois uma posição política provinda dos artistas. Abordarei algumas delas nesta proposta de comunicação, com especial enfoque no estudo de caso sobre os livros da série Documento Areal, publicação realizada desde 2001 pela Associação Cultural Arena, com sede em Porto Alegre, que, ao longo desses anos, vem estendendo a público livros organizados por artistas que tratam do processo de criação e da problemática da documentação da obra de arte. Entre as publicações, serão analisados os livros assinados pelos seguintes artistas: Karin Lambrecht, Hélio Fervenza, Maria Helena Bernardes, Elaine Tedesco. Afinal, ao documentarem suas experiências efêmeras através da escrita, estariam os artistas atuando como uma espécie de arquivista/intérprete de sua produção e aproximando crítica e criação? De que modo?

Parte I: O menino sem rosto

2010-03-01T15:33:00.054-03:00

Com a luz refletida no rosto, ela sentia a pele esbranquiçar sob efeito do sol nascente. Era hora de se levantar.
Tão logo pulou da cama descalça, ela se dirigiu ao banheiro. Após lavar o rosto com água bem fria e suspirar, soprou, com toda força que tinha, o ar para fora de si naquela hora da manhã. Enquanto isso, observava aliviada as gotículas de água escorrerem pelo rosto. Preferiu não secá-lo na toalha. As bochechas molhadas e enrubrecidas faziam assim uma engraçada combinação com a sua camisola vermelha de cetim.
O dia estava iluminado e, diante daqueles interiores do apartamento, ela não necessitava mais de seu passeio diário. Decidiu assim ficar em casa, na companhia do sol. Mas o dia estava virando.
Ao olhar para as paredes, fixando-se na bela textura luminosa que projetava-se sobre a tinta escura, avistou a silhueta negra de um menino sem rosto, como se os fantasmas de sua casa de infância estivessem voltando.
No entanto, sem ver seu rosto, ela não podia dizer que já o conhecia. Naquele instante, sentia-se diante de um estranho. Mas o menino falava com ela, dizia-lhe algo incompreensível. O tom era seco. Ele não sorria. Ela pediu-lhe várias vezes que repetisse, pois era difícil diferenciar suas sílabas. Estaria o menino bravo? Ou ele queria apenas assombrar-lhe? Onde estaria o seu rosto?
"Aproxime-se", disse ela.
Mas o menino relutou dizendo:
"É melhor mantermos a distância".
Foi a primeira frase que ela pôde compreender. Em seguida ela perguntou-lhe:
"Mas por que mantermos distância? Não entendo o que dizes".
Silêncio. O menino disse mais duas ou três frases incompreensíveis, embora o tom fosse reconhecidamente seco. Foi quando ela perguntou a ele:
"Por que tanta secura?"
E o menino retrucou com facilidade:
"Essa secura aprendi aqui".
Ela compreendeu o som das palavras, mas não captava o sentido. Colocou a mão no rosto e ainda podia senti-lo molhado da água fria da torneira. Avistava suas próprias palavras contra o sol e elas pareciam respingar um vapor úmido, junto com a poeira revelada pelo feixe de luz. Ela perguntava-se, em silêncio, desde quando o menino sem rosto a conhecia, o que ela fizera para parecer-lhe tão seca?
"Eu? Seca?", ela perguntou àquele rosto vago.
E ele respondeu:
"És pura instabiliade, um dia estás seca e no outro, acordas molhada."
E assim o menino desapareceu na penumbra. Não havia mais sombra projetada, nem era mais possível regar a conversa. A luz tornava-se difusa, pois o dia estava nublando.

Ensaios - texto ligeiramente alterado desde a primeira versão de 2005.

2010-02-24T21:33:00.015-03:00

De certo, naqueles dias nublados, tudo parecia um palco. O público inerte nem percebia quando a atmosfera era tomada por ares irreais, suas preocupações eram de outra ordem. Eles olhavam muito para o relógio e não percebiam que naquele sorriso desenfreado da atriz principal escondiam-se,além de angústias internas, alguns mistérios. Dia após dia, a peça não mudava, embora o riso da protagonista, ao longo do tempo, tivesse se tornado mais seco. Era surpreendente como, depois de anos, as cenas de riso ainda a levavam rumo ao gozo pleno. Ali ela não atuava, apenas flutuava dizendo a si mesma: “Que plenitude!”. Mas, no intervalo da peça, acabava percebendo o palco e, com as pernas pesadas e atadas, avistava o público. Lançando então um olhar distante cuja habilidade era transformar toda matéria em névoa, ela brincava de transfigurar os rostos em borrões, deixando a luz escapar-lhe por inteiro e preenchendo o espaço com cores mais vivas ou mais mortas, dependendo de seu estado de espírito. A brincadeira continuava até que se sentisse totalmente perdida. Às vezes, por medo, o jogo acabava rápido.

A peça, no entanto, seguia sem novidades. Tudo continuava meticulosamente igual desde o ponto em que ela a havia retomado. Cena após cena, a atriz fixava-se na imobilidade das coisas: às vezes eram as pequenas frestas entre as tábuas do palco, outras vezes, a poltrona vazia, o padrão da textura no tecido da cortina, ou então, os gestos repetitivos das mãos de um colega. Enquanto a cena seguia, entre um verso e outro, ela costumava perceber certos vãos no tempo. Mas como era possível viver em tal descompasso? Por vezes ela pensava: “Vou arrancar de vez esta máscara e saltar nas lacunas deste palco insano. Afinal, o que eu teria a perder?”.

E um dia a atriz de fato tentou. Ela chegou à beira do abismo para saltar e, ao olhar para trás com um canto de olho desconfiado, acenou em despedida para os colegas de palco. Em seguida, respirou fundo, ergueu os braços bem altos e, com o peito estufado de ar, sentiu o vestido apertar e enrijecer o corpo todo, tal como uma armadura. Ela estava no limite. Esperou mais cinco segundos e desistiu. Atribuiu a desistência ao chamado de um colega de palco, que, com sua voz magnética, exigia-lhe uma resposta. Ainda que estivesse sendo sugada para um diálogo previsível, ela insistia em alimentar a esperança de que as vibrações do som lhe revelassem algo novo. As surpresas não vieram. No entanto, ao girar o corpo dando as costas ao abismo, sentiu a meia-calça apertada descer perna abaixo. Num único contra-golpe ela puxou a meia de volta, ainda que não pudesse evitar que ela se rompesse.

A verdade é que ela quase escapara dali, daquele lugar que ela odiava e, ao mesmo tempo, amava, um lugar deserto que a dominava, fazendo-a caminhar rumo ao sem fim enquanto ela sonhava manipular a si mesma como títere num outro deserto em miniatura.

Um dia, enquanto ela atuava, o palco ruiu.

Envolta pelo eco de uma gargalhada triunfante, ela sentia o alívio trazido pelo cheiro úmido da chuva. Quanto tempo se passara? Ela estava em sua casa agora, no banheiro, a ouvir o som trazido pela ducha e a limpar repetidamente o espelho recoberto de um vapor úmido que engolia a sua silhueta aos poucos. Ela apenas brincava, desejando inverter as regras de seu antigo jogo, a transformar a névoa em matéria, num esconde-esconde com a própria imagem no espelho. E assim deliciava-se ao tocar, com a ponta dos dedos, aquele rosto morno e aparentemente fugaz, a sentir a vida breve em suas mãos.

Sobre Onetti e o poder da fantasia

2010-02-24T20:21:00.003-03:00

"Para mim, os fatos nus e crus não significam nada. O que importa é o que contêm ou o que acarretam; e depois verificar o que há por trás disso e por trás disso de novo até o fundo definitivo que nunca poderemos tocar", diz o narrador do conto Matías, o Telegrafista.

Hoje fui presenteada com o conto "Um sonho realizado", do escritor uruguaio Juan Carlos Onetti (1909-1994). Em uma atmosfera onírica, o desafio de representar um sonho banal de uma estranha mulher é vivido por dois amigos que se vêem herdeiros da síntese de uma vida. E este último ritual, em um leito de morte disfarçado de arena, romperá as barreiras entre viver e narrar.

Fragmento das teses de Benjamin Sobre o Conceito de História

2010-01-31T17:00:00.004-03:00

2ª tese:

"O passado traz consigo um índice misterioso, que o impele à redenção. Pois não somos tocados por um sopro do ar que foi respirado antes? Não existem, nas vozes que escutamos, ecos de vozes que emudeceram? Não têm as mulheres que cortejamos irmãs que elas não chegaram a conhecer? Se assim é, existe um encontro secreto, marcado entre gerações precedentes e a nossa. Alguém na terra está à nossa espera."

Pequenos gestos resistentes

2010-01-20T22:05:00.003-03:00

Pina Bausch depois de uma aula sobre "Diário de um ano ruim", de Coetzee, produz um efeito estético incrível.

Nota sobre caligrafia - artigo de Umberto Eco na Revista da Cultura (ed. 28/nov 09)

2010-01-09T08:22:00.005-03:00

A arte perdida da caligrafia - Umberto Eco

"A arte da caligrafia nos ensina a controlar nossas mãos e encoraja a coordenação mão-olho.
O artigo de três páginas apontava que a escrita a mão nos obriga a compor a frase mentalmente antes de escrevê-la. Graças à resistência da caneta e do papel, somos forçados a parar para pensar. Muitos escritores, embora acostumados a escrever no computador, algumas vezes até preferem imprimir letras em uma placa de argila, porque assim podem pensar com mais calma." (p.29)

Pequeñitas danzas llorosas. Bonisimo!!!!

2009-12-30T01:37:00.003-03:00

Antes da tempestade

2009-12-18T10:44:00.007-03:00

1h30 da madrugada, o céu soluçando luz, prepara-se para a tempestade.
Sedenta, observo a noite pela janela do meu apartamento.
Em seguida, entro na cozinha pra tomar água.
Ao levantar o copo, sou invadida por um odor forte. Ele exala da minha mão direita. A quem eu a teria estendido?
Num só golpe, o cheiro sobe até a cabeça. Estou preenchida dele. O odor é franco, oco e cortante.
Feito bolha sinto-me inflar enquanto a pele estica. Ocupo toda a cozinha, sentindo a pressão das paredes.
Memórias vêm em estalos e lançam-me para outros lugares. Todos eles imensos, velhos, pálidos e quase imóveis. Neles os indivíduos não se cruzam, seus corpos desnudos revelam o peso da gravidade, seus olhares se perdem e as vozes desencontradas apenas ecoam. O único ponto de contato entre nós é o cheiro cortante.
De repente minhas memórias são interrompidas por vozes arranhadas que invadem a cozinha.
"Não é de agora, vem de m u i t o tempo", diz uma delas.
E continua: "Mãe, cadê sua camisola? A senhora não pode andar sem camisola pela casa."
A mãe: "Não me enche o saco. Era só o que me faltava."
A filha: "A senhora não sabe mais o que faz. Onde colocou minha carteira de cigarros? Eu não aguento mais isso."
O interfone silencia. Sinto-me murcha sobre as pernas pesadas. O cheiro se esvai.
Olho para o copo d'água vazio e penso que o cheiro era de abandono.
A chuva começa e, entorpecida de sono, sou carregada para cama.

Tramas Suspensas de Janet Echelman

2009-12-04T17:57:00.003-03:00

Dica de um amigo, repasso aos navegantes:
Portfólio de Janet Echelman:

http://www.echelman.com/

Fragmento de Rilke em "Cartas a um jovem poeta"

2009-12-04T16:21:00.000-03:00

“Deixar amadurecer inteiramente[...] e aguardar com profunda humildade e paciência a hora do parto de uma nova claridade: só isto é viver artisticamente na compreensão e na criação. O tempo não serve de medida – ser artista não significa calcular e contar, mas sim amadurecer como a árvore que não apressa a sua seiva. Aprendo diariamente: a paciência é tudo.”

Gatunos na mira!

2009-11-23T16:27:00.007-03:00

photos by Dora Lúcia Maus

Alguns pontos cor de rosa

2009-11-12T13:35:00.003-03:00

Pergunte ao Pó

2009-10-25T18:57:00.002-03:00

Invisivel não é aquilo que não existe........
É algo que deixamos de perceber por um momento.
Alguns não perceberão determinadas coisas por toda a vida.................
Cabe a nós a decisão de transmutar certos sentidos.........
Como uma poeira intelegível...............

(enviado por Alexandre Antunes)

M|AR - Série Películas - Antiga Fábrica Cotada - Pelotas/RS 2009

2009-10-24T23:54:00.012-03:00

M|AR é meu último trabalho da Série Películas, realizado em Pelotas/RS,
na ocupação organizada por José Pellegrin, na antiga fábrica "Cotada" (Praça da Alfândega, 15).
O projeto conta com mais de setenta artistas, dentre eles estão James Zortéa, Túlio Pinto e Guilherme Dable, também integrantes do Atelier Subterrânea.

O trabalho M|AR começou em uma viagem que fiz de Pelotas a Porto Alegre, quando avistei, ao entrar no banheiro feminino de um bar, uma imagem em suspensão.

Era uma janelinha basculante recoberta de terra e tinta negra que se abria lentamente ao azul intenso do céu, através das fissuras da escrita teimosa de alguém que um dia subiu no sofá velho fixado abaixo desta janela para grafar simplesmente "MAR" e "TERRA", palavras tão estranhas às escritas típicas de banheiro.

Aquilo me moveu. Com o peito inflado, eu ainda agora oscilo entre o céu azul e a luz branca das estrelas, que brotavam do negro daquela poeira acumulada. A imagem se expandiu e ganhou um novo lugar: a janela da antiga fábrica Cotada, em Pelotas.

E foi assim que começou este trabalho.
Imagens em: http://www.flickr.com/photos/lilianmaus/"

Pitadas de Clarice no oco das palavras

2009-10-19T16:20:00.009-03:00

"Atrás do pensamento não há palavras. É-se."

"Então escrever é o modo de quem tem a palavra como isca: a palavra pescando o que não é palavra. Quando essa não-palavra – a entrelinha - morde a isca, alguma coisa se escreveu. Uma vez que se pescou a entrelinha, poder-se-ia com alívio jogar a palavra fora."

"Tente entender o que pinto e o que escrevo agora. Vou explicar: na pintura como na escritura procuro ver estritamente no momento em que vejo – e não ver através da memória de ter visto num instante passado. O instante é este."

(Clarice Lispector - Água Viva)

As imagens postadas são de um trabalho artístico recente chamado "Por uma estética de Botequim", da Série "Tramas Diárias". Ele está exposto na mostra "Ateliê Subterrânea 2009", que está aberta à visitação até 28 de novembro, no Atelier Subterrânea (Av. Independência, 745/Subsolo). Mais info: www.subterranea.art.br

Publicações na Revista Panorama Crítico

2009-10-16T22:39:00.008-03:00

Pra quem curte ler e/ou escrever sobre arte, fica a dica da Revista Panorama Crítico, uma iniciativa de Alexandre Nicolodi e Denis Nicola, que vivem em Porto Alegre.

Nesta 3ª edição há 2 ensaios que estão, de algum modo, relacionados ao Atelier Subterrânea. São eles:

**Documentos de Trabalho: cartografias do olhar, escrito por mim, na disciplina ministrada pelo Prof. Dr. Flávio Gonçalves no PPGAV/IA - UFRGS;

**Lia no infinitivo, escrito por Vitor Butkus, a partir da exposição "Pele de Boneca", de Lia Menna Barreto, no Atelier Subterrânea.

Acesse oss ensaios em: www.panoramacritico.com/site/003/ensaios.php

Há também, na edição anterior, uma entrevista que realizei com a artista Maria Helena Bernardes, a quem admiro profundamente. Não apenas pela obra artística, mas também por sua generosidade. Acesse em:

www.panoramacritico.com/site/002/entrevistas.php

Link para exposição na Galeria FitaTape - Complexo Master / Porto Alegre

2009-09-19T20:26:00.004-03:00

Aí vão as imagens, linkadas por Ana Ferraz, na revista digital JUXTAPOZ.
aCESSE:
http://www.juxtapoz.com/Ana+Ferraz/10089-noz-na-fita-2009-exhibition

Gatuno na espreita

2009-08-25T15:38:00.002-03:00

Saudades do meu gato.
Ele deve estar se aventurando em Osório, fingindo selvageria, hehehe

Mais uma trabalheira genial com stop motion

2009-06-24T22:24:00.001-03:00

Estudo para a série Películas

2009-06-17T12:47:00.005-03:00

Fazer faxina em casa lavando pratos, mexendo na água, varrendo, tudo isso costuma me dar ideias. Esse trabalho solitário normalmente torna-se visível apenas em sua ausência, com o excesso de sujeira acumulada. Hoje ele permitiu-me sentir a bela sintonia entre o ritmo das mãos e do pensamento.
Lembrei agora de um amigo que fala que, por sua vez, tem uma outra amiga que diz: "Kant é bom até pra ariar panela".

Acabei fazendo alguns estudos para uma nova série de trabalho. Provavelmente a série se chamará Películas.

Link para minha imagem no site oficial Moleskine

2009-06-16T12:14:00.001-03:00

http://www.moleskine.com/mymoleskine/community/2009/05/drawings-diaries.php

Microcosmo reinventado

2009-06-16T11:52:00.000-03:00

Jemapur | Clarte from Genki Ito on Vimeo.

The latest film by W+K Tokyo Lab creator, Genki Ito.

A curiosity toward science unfolds into an unknown world...

Taking as its inspiration the sub-atomic world of a nuclear fusion reaction,
Clarte visually re-imagines this microcosm into a beautifully poetic
animation, pulsing and flowing along with Jemapur’s dark and textured sound.

Experimenting with HDV recording, analog footage of milk floating on water,
sediment in rotten wine, and caustics from reflected projector lights were
all incorporated into the digital animation.

Brincadeiras

2009-06-16T10:21:00.005-03:00

O encanto da projeção

Subindo em portas

Quem nunca se deixou levar pelo encanto da penumbra? Pelas imagens soltas que surgem na mente ao fechar os olhos.
Um amigo me enviou hoje um fragmento de um livro sedutor:
SENNETT,Richard. O Artífice. Rio de Janeiro, Ed. Record, 2009 pág.233

Este trecho me caiu feito luva:

Na ideia de imaginação de Thomas Hobbes, por exemplo, voltamo-nos para sensações que já experimentamos no passado. "A imaginação", dizia ele, "nada mais é que o sentido em decomposição." Uma vez removido um objeto que nos estimulou "ou fechado o olho, ainda retemos uma imagem da coisa vista, embora mais obscura do que a vimos".

Sobre o assombro:

Os gregos antigos expressavam o assombro na palavra poiein, que deu origem a fazer. No Simpósio, Platão diz que "o que passa do não ser ao ser é uma poesis", uma causa de assombro. O autor moderno Walter Benjamin usa outra palavra grega, aura — "banhando na própria luz" — para designar o assombro ante a existência de uma coisa. Podemos nos assombrar com frescor, livres de qualquer complicação inicial, com coisas que não fizemos; no caso das coisas que fazemos, contudo, é necessário preparar o terreno da surpresa e do assombro.

Penando para se atrasar

2009-05-23T11:52:00.005-03:00

Dica do Lucchesi, repasso aos navegantes:
Vídeo Stop Motion "Sorry, I'm late"
Mais info: http://www.sorry-im-late.com/makingof.html

Mais um achado de botequim

2009-04-01T19:14:00.002-03:00

Sonho pra lá de estranho

2009-04-01T18:44:00.010-03:00

Talvez pela busca constante por cabeças de bonecas neste último mês, em função da exposição da artista Lia Menna Barreto no Atelier Subterrânea, associada às lembranças da fazendo do meu avô, tive hoje à noite um sonho pra lá de estranho.
Num galinheiro de uma paisagem repleta de alagados,
os pintos nasciam com cabeças de bonecas.
Eu estava lá, a salvar as criaturinhas da queda n'água,
até que vi a placa "Depósito: Mensageiro da Caridade".

Trecho do filme Antes do Amanhecer - personagem Jesse James

2009-02-24T23:08:00.004-02:00

"Todos os relógios da cidade começam a girar e a tocar
Mas não deixe o tempo te enganar,
pois o tempo não há quem conquiste.
Em angústias e preocupações, a vida escoa vagamente.
E a todos os tempos há de consumir.
Seja agora ou no porvir."

"Prisioneiros de gotas d'água, não passamos de animais perpétuos." (O Espelho sem aço, de Max Ernst)

2009-01-24T17:45:00.003-02:00

Sua boca estava seca, mas só havia espaço para meio copo d'água.
Sem entusiasmo beberia com goles miúdos o líquido neutro.
Ao entrar na cozinha, avista com desdém o galão d'água vazio.
Resolve então abrir a geladeira:

"Tudo vazio.", pensara ela, já refém da água de torneira de Porto Alegre.

Ensaios e recomeços

2009-01-20T14:12:00.026-02:00

Ela não estava lá.
Fechava os olhos, como de costume, e ousava acreditar que tudo se apagava, tal como nos jogos de esconde-esconde.
Sentia-se cega.
Sugada pelos buracos negros de seus próprios olhos, metendo-se de corpo e alma em túneis intermináveis. Ela simplesmente pairava sob a escuridão desviante.

Em sua cabeça leve e oca ecoavam, de um lado a outro, os sons agudos da noite.
Havia ali um sonar constante, semelhante ao dos grilos que imperavam em seu quarto de infância durante as noites sem vento.

Com as pernas pesadas, mal podia mover-se.
Embriagada de uma sonolência inevitável,
ela sentia, naquele instante, todo o seu ser alojar-se no estômago.
Definitivamente, naquela noite, ela não iria jantar.

Exposição ARTE + ARTE, Casa de Cultura Mário Quintana

2008-10-12T09:31:00.002-03:00

Convido a todos para a exposição ARTE + ARTE: livre associação, fruto da seleção de obras no salão de mesmo nome, organizado pela Associação Riograndense de Artes Plásticas Francisco Lisboa, que neste ano de 2008, comemora seus 70 anos.

Período: de 23 de outubro (abertura) a 30 de novembro de 2008.
Local: Casa de Cultura Mário Quintana - Galeria Xico Stockinger

Angenor, vulgo cartola

2008-09-22T11:45:00.007-03:00

Ontem fui ao show da Cida Moreira no Theatro São Pedro.
O repertório de Cartola ainda hoje não me sai da cabeça.
A voz de Cida se punha a arranhar o coração do público.

Por uma poética de botequim, resolvi postar as imagens abaixo.
São de um bar perto da minha casa.

Imperdível este vídeo da Leci Brandão cantando Maravilhoso Vagabundo.
Cartola acompanha no violão.

Fragmentos de Goethe: Anelo

2008-09-14T18:07:00.002-03:00

"Morre e transmuta-te": enquanto

Não cumpres esse destino,

És sobre a terra sombria

Qual sombrio peregrino.

Goethe

"Sou tão misteriosa que não me entendo" - Clarice Lispector

2008-08-28T20:51:00.004-03:00

Aí vão alguns trechos de uma fabulosa entrevista com Clarice Lispector,
concedida a Júlio Lerner, da TV Cultura em 1977:

Seminário Desenho em Questão: Instituto de Artes/UFRGS

2008-08-28T09:09:00.005-03:00

Acabo de encontrar este material no YouTube!

Seminário Desenho em Questão
Coordenação geral: Blanca Brites
Data: 30 outubro 2007
Local: Pinacoteca do IA/UFRGS - Entrada franca

As palestras do seminário Desenho em Questão, organizado pela Profa. Dra. Blanca Brites está disponível na Internet.

Alfredo Nicolaiewsky,Teresa Poester, Richard John, Flávio Gonçalves, Carlos Pasquetti, Marilice Corona e Mário Röhnelt e Laura Castilhos são alguns dos palestrantes.

Aí vai minha apresentação:

Devaneio - monumento de T. C. Carneiro em São Paulo

2008-07-24T13:43:00.003-03:00

Busca no google rendeu boas surpresas:

http://esculturasemsaopaulo.blogspot.com/2007/11/devaneio-t.html

Salva pelas reminiscências de um coração venoso periférico

2008-07-17T11:18:00.015-03:00

As mãos deslisam sobre o volante, engatam marchas e movem o veículo. Tudo é transitório. As imagens se borram enquanto o olho (des)atento escorre pela cidade. No sinal vermelho o corpo pára. O olhar fixa-se na panturrilha. A velocidade do motoqueiro faz tudo apagar-se novamente. Prédios imensos alocam-se na retina que percorre as estruturas em construção. Céus! A panturrilha! Ela está imóvel no sinal. Sim, o sinal está vermelho. Pés chutam o freio com força, antecipando a parada brusca. As rodas travam, o carro deslisa até parar no sinal. Aliviada penso: salve a panturrilha, este coração venoso periférico que move o mundo! Intacta, a outra continuava lá, contraindo-se livremente a pulsar pelas ruas da cidade.

Ainda sobre ambigüidade - Relação entre obra e contexto ou a raiz da piada

2008-07-08T18:09:00.003-03:00

Excerto da teoria literária de Empson. Fonte: E-Dicionário de Termos Literários
http://www2.fcsh.unl.pt/edtl/verbetes/A/ambiguidade.htm

Empson publica Seven Types of Ambiguity (1930) aos 24 anos, e adopta um estilo de análise textual que recorre às leituras cerradas (close readings). O principal resultado da investigação de Empson foi o de considerar que a ambiguidade era afinal a primeira virtude da poesia, ao contrário do que até aí se supunha. A ambiguidade é então a origem da eficácia poética. Os sete tipos apresentados são:
1) A função multidireccional de um termo ou estrutura gramatical;
2) A fusão de dois ou mais sentidos num só;
3) A paronomásia, que determina que dois sentidos aparentemente desconexos ocorram simultaneamente;
4) A não concordância de dois ou mais sentidos que se combinam para tornar claro o estado de espírito do autor;
5) A descoberta que o autor faz das suas ideias no acto da escrita, ou quando não tem consciência imediata dessas ideias;
6) A produção de enunciados contraditórios ou irrelevantes que obrigam o leitor a inventar enunciados próprios susceptíveis de serem conflituosos entre si;
7) A contradição completa de um enunciado, os dois valores da ambiguidade, que marcam uma divisão na própria mente do autor.

Enquanto o New Criticism separava o texto do contexto social, Empson insistiu em tratar a poesia como uma espécie de linguagem "comum", capaz de ser racionalmente parafraseada - tese já defendida por Wordsworth no prefácio à 2ª ed das Lyricall Ballads. Empson é um intencionalista puro e confesso, que apenas se interessa pelo sentido ditado pelo autor. Longe de existir como um objecto hermeticamente fechado entre si, a obra literária, para Empson, é aberta: a compreensão da obra envolve mais a compreensão dos contextos gerais, nos quais as palavras são usadas socialmente, do que a identificação dos padrões de coerência verbal interna.

Qual será a verdadeira? - Baudelaire

2008-07-07T22:54:00.004-03:00

Conheci uma certa Bénédicta, que enchia a atmosfera de ideal, e cujos olhos espalhavam o desejo da grandeza, da beleza, da glória e de tudo o que faz crer na imortalidade.

Mas esta moça milagrosa era bela em demasia para viver por longo tempo; assim, morreu poucos dias depois de eu tê-la conhecido, e fui eu mesmo quem a enterrou, num dia em que a primavera agitava seu incensório até dentro dos cemitérios. Fui eu quem a enterrou, bem encerrada num esquife de madeira perfumada e incorruptível como os baús da Índia.

E enquanto meus olhos permaneciam fixados no lugar onde estava enterrado o meu tesouro, avistei subitamente uma pessoinha que se parecia singularmente com a defunta e que, espezinhando a terra fresca com uma violência estranha e histérica, dizia, rindo às gargalhadas: 'Sou eu, a verdadeira Bénédicta! Sou eu, uma bela canalha! E como castigo por sua loucura e cegueira, você me amará assim como sou!"

Mas eu furioso respondi: "Não! Não! Não!" E para melhor acentuar minha recusa, espezinhei tão violentamente a terra que minha perna afundou até joelho na sepultura recente e, como um lobo preso na armadilha, estou atado, quem sabe para sempre, à fossa do ideal.

Baudelaire, Charles Pierre: pequenos poemas em prosa. Florianópolis: ed. da UFSC, 1996. Trad.: Dorothée de
Bruchard, p. 197

Manet, "Na Estufa"

Onde as fronteiras se borram

2008-07-03T12:38:00.016-03:00

Uma criança. Bela ou sedutora? Agelical ou demoníaca?
Ela está imóvel no tempo, absorta em pensamentos.
As velas queimam sobre a torta apetitosa,
à espera do sopro voraz, de quem completa 5 anos de vida.
Foi entorpecida por esta atmosfera que vim a comprar o livro.

Ambigüidades

O olhar solto em pensamento flutuante
deixa-se levar pela névoa
a confundir apetite e indiferença.

"Ao deserto são conduzidos aqueles que são tocados pelas chamas do desejo,
deserto que trazem dentro de si mesmos."
(DUMOULIÉ, Camille. O desejo. Ed. Vozes: Rio de janeiro, 2005.)

A Corda - de Baudelaire para Edouard Manet

2008-07-02T12:19:00.006-03:00

"As ilusões, - me dizia meu amigo, - talvez sejam tantas quanto as relações dos homens entre si, ou dos homens com as coisas. E quando a ilusão desaparece, ou seja, quando enxergamos o ser ou o fato tal como existe fora de nós, experimentamos um sentimento estranho, complicado em parte pela falta do fantasma desaparecido, em parte pela surpresa agradável diante da novidade, diante do fato real. Se existe um fenômeno evidente, trivial, sempre igual, e de natureza tal que é impossível se enganar, é o amor materno. É tão difícil supor uma mãe sem amor materno quanto uma luz sem calor; acaso não será perfeitamente legítimo atribuir ao amor materno todas as ações e palavras de uma mãe, em relação ao seu filho? E no entanto, ouça esta pequena história em que fui singularmente mistificado pela ilusão mais natural."

"Minha profissão de pintor me leva a olhar atentamente os rostos, as fisionomias que se oferecem em meu caminho, e você sabe que gozo nos traz esta faculdade que torna aos nossos olhos a vida mais viva e mais significativa que para os outros homens. No bairro afastado em que moro, e em que vastos espaços gramados ainda separam prédios, fre1üentemente observei um menino cuja fisionomia ardente e marota, mais do que todas as outras, me seduziu a princípio. Ele posou mais de uma vez para mim, e eu o transformei ora em pequeno cigano, ora em anjo, ora em Amor mitológico. Eu o fiz usar o violino do andarilho, a Coroa de Espinhos e os Pregos da Paixão e a Tocha de Eros. Enfim, experimentei em toda a graça deste garoto um prazer tão vivo que roguei um dia a seus pais, gente pobre, que consentissem em me cedê-lo, prometendo vesti-lo bem, dar-lhe algum dinheiro e não impor-lhe outra tarefa que não a de limpar meus pincéis e fazer minhas compras. O menino, depois de limpo, tornou-se encantador, e a vida que levava comigo lhe parecia um paraíso comparada àquela vivida no casebre paterno. Apenas devo dizer que o homenzinho por vezes me espantou com singulares crises de tristeza precoce, e que logo manifestou um gosto imoderado pelo açúcar e pelos licores; de modo que um dia em que constatei que apesar de minhas inúmeras advertências ele havia cometido um novo furto desta espécie, ameacei mandá-lo de volta a seus pais. Em seguida saí, e meus negócios me retiveram bastante tempo fora de casa."

"Qual não foi meu horror e meu espanto quando, chegando em casa, o primeiro objeto que atraiu meu olhar foi meu homenzinho, o maroto companheiro de minha vida, enforcado na porta deste armário! Seus pés quase encostavam no assoalho; uma cadeira, que ele sem dúvida empurrara com os pés, estava derrubada a seu lado; sua cabeça estava convulsivamente inclinada sobre um dos seus ombros, seu rosto, entumescido e seus olhos, arregalados com uma fixidez assustadora, primeiro me causaram a ilusão da vida. Desenforcá-lo não era uma tarefa tão fácil quanto você poderia pensar. Ele já estava bastante rijo, e eu sentia uma repugnância inexplicável em deixá-lo bruscamente cair no solo. Era preciso sustê-lo por inteiro com um dos braços e, com a mão do outro braço, cortar a corda. Mas feito isto, não estava tudo pronto; o monstrinho tinha usado um cordão bem fino que tinha penetrado profundamente nas carnes, e era preciso agora com uma tesoura fina, procurar a corda por entre duas dobras de inchação para desembaraçar seu pescoço."

"Omiti de lhe contar que eu tinha vivamente chamado por socorro; mas todos os vizinhos tinham se recusado a vir me ajudar, fiéis neste sentido aos hábitos do homem civilizado, que nunca quer, não sei porquê, se envolver em histórias de enforcado. Enfim veio um médico que declarou que a criança estava morta desde várias horas. Quando, mais tarde, tivemos de despi-la para o sepultamento, a rigidez cadavérica era tal que, desistindo de flexionar seus membros, tivemos de lacerar e cortar suas roupas para tirá-las."

"O comissário a quem tive, naturalmente, que declarar o acidente, me olhou atravessado e disse: 'Isto tudo é meio suspeito', movido, sem dúvida, por um desejo inveterado e por um hábito profissional de assustar, por vias das dúvidas, tanto os inocentes quanto os culpados."

"Faltava cumprir uma tarefa suprema, a qual me causava, só de pensar, uma angústia terrível; era preciso avisar os pais. Meus pés se negavam a me levar. Tive, enfim, esta coragem. Mas, para meu grande espanto, a mãe permaneceu impassível, nenhuma lágrima pingou no canto de seu olho. Atribuí esta estranheza ao próprio horror que devia estar sentindo e lembrei da máxima conhecida: 'As dores mais terríveis são as dores mudas'. Quanto ao pai, contentou-se em dizer, de um jeito meio entorpecido, meio pensativo: 'Afinal, talvez fosse melhor assim, ele, de qualquer forma, teria acabado mal!'."

"Entretanto o corpo estava estendido em meu sofá, e assistido por uma empregada eu tratava dos últimos preparativos, quando a mãe entrou em meu ateliê. Ela queria, dizia, ver o cadáver de seu filho. Eu não podia, na verdade, impedi-la de embriagar-se com sua desgraça e negar-lhe supremo e sombrio consolo. Em seguida ela rogou-me que lhe mostrasse o local em que seu menino tinha se enforcado. 'Oh! não! senhora, - respondi, - isto lhe faria mal'. E, ao voltar involuntariamente meus olhos para o armário funesto, percebi, com um nojo mesclado de horror e raiva, que o prego tinha ficado cravado na madeira, com um comprido pedaço de corda ainda pendurado. Adiantei-me vivamente para arrancar estes últimos vestígios da desgraça, e quando eu ia jogá-los fora pela janela aberta, a pobre mulher agarrou meu braço e disse com voz irresistível: 'Oh! senhor! me deixe isto! eu lhe rogo! eu lhe suplico!' Seu desespero, parecia-me, decerto a perturbara tanto que ela agora se tomava de ternura pelo que havia servido de instrumento para morte de seu filho, e queria guardá-lo como a uma horrível e cara relíquia. - E ela apoderou-se do prego e do cordão."

"Enfim! enfim! tudo estava cumprido. Só me restava voltar ao trabalho, ainda mais vivamente do que de costume, para expulsar pouco a pouco o pequeno cadáver que assombrava as dobras do meu cérebro e cujo fantasma me cansava com com seus grandes olhos fixos. Mas no dia seguinte recebi um pacote de cartas: umas dos inquilinos do meu prédio, algumas outras dos prédios vizinhos; uma do primeiro andar, mas em estilo semibrincalhão, como que tentando disfarçar pesadamente atrevidas e sem ortografia, mas todas tendendo ao mesmo objetivo, ou seja, obter de mim um pedaço da funesta e beatífica corda."

"Entre os signatários havia, devo dizê-lo mais mulheres do que homens, mas nem todos, acredite bem, pertenciam à classe ínfima e vulgar. Guardei aquelas cartas."

"E então, de súbito, uma luz se fez em meu cérebro, e compreendi por que a mãe fazia tanta questão de me arrancar o cordão e através de que comércio tencionava consolar-se."

Baudelaire, Charles Pierre: pequenos poemas em prosa. Florianópolis: ed. da UFSC, 1996. Trad.: Dorothée de
Bruchard, p. 161-67

O mundo cabe em um beco, onde o devaneio é a realidade

2008-07-01T15:12:00.033-03:00

Gritos estridentes me despertam numa manhã seca e ensolarada, depois de uma semana inteira de nuvens e umidade gelada. Tento entender que voz é aquela que insiste em explodir enfurecida: "Sai fora daqui, deixa as minhas crianças. Sai daqui desgraçado!". Aproximo-me da sacada e lá está ela no beco, sem megafone. Sua voz ecoa progressivamente por entre os vãos dos prédios vizinhos. Ela está só. Uma mulherzinha gorda, vestida de marinho, saiote prolongado, blazer e bolsa combinando. Os cabelos longos e amarrados identificam-na como crente. Aquela senhora de peitos fartos e movimentação engraçada está de braços abertos e aos berros, a espantar um certo senhor maligno, que parece a perseguir junto às crianças. "Sai fora daqui, desgraçado, pensa que a rua é tua? A rua é pública, eu não vou sair daqui!"

Outras mulheres, como boas donas-de-casa, continuam a passar calmamente com suas sacolas de compras ao lado da mulher enfurecida. Ninguém a vê. As histórias se cruzam, mas isso é imperceptível desde que se entre no beco. Alguma magia envolve os seus passantes. Após adentrar nele, todos tornam-se igualmente indivíduos, apenas isso. Corpos minimamente afastados, mentes infinitamente distantes. A mulherzinha gorda, por sua vez, não vê nenhuma outra mulher. Ela continua a apontar com firmeza e ódio para o senhor invisível, como uma boa mãe a proteger suas crianças.

Um homem de movimentação peculiar ingressa no beco agora vazio. Ele caminha com intervalos constantes, já que apresenta espasmos que o impossibilitam de seguir continuamente. O ritmo descompassado dá forma a uma caminha fragmentada e angustiante, semelhante aos berros estridentes daquela mulherzinha. Eles não se vêem. No meio do caminho, o homem pára voluntariamente. Ele gira em direção ao muro esquerdo que cerca o beco e ali fixa um olhar estranho . Virado para a parede, depara-se com um poste e lê a mensagem de um cartaz colado. Instantes depois, está a caminhar rumo à saída do beco. Dois passos. Um giro de cabeça. Mais três passos. Um giro de cabeça. De pescoço. E de braços. Mais quatro, cinco, seis passos. Ele já está fora do beco.

"Sai fora daqui demônio! Você não vai me pegar não. Eu sei que você está aí." A senhora de marinho volta a gritar. Seu corpo rígido e frenético está lado a lado com o de um velhinho de bengala que arrasta-se lentamente. Uma das mãos do senhor apóia as costas, enquanto a outra segura firme a bengala. A mulher só tem olhos para o senhor invisível. O velhinho, por sua vez, não tira os olhos da bengala, caminhando com cautela.

Algumas pessoas saem de seus apartamentos e observam a cena da sacada. Uma jovem não se contém e grita enfurecida: "Cala a boca! ... Cala a boca!" A mulherzinha gorda então responde, em tom agudo e firme, já fora do beco, olhando em direção oposta à da moça: "Eles não sabem do que eu sei. Acham que são donos da rua? Pensam que podem mandar em mim? A rua é pública. Eu vejo você. Não estão vendo (apontando para o senhor invisível)? Fora daqui desgraçado! Fora daqui, deixa as minhas crianças!"

Pouco a pouco a voz estridente some e os vizinhos recolhem-se em seus apartamentos. O espetáculo chega ao fim. Aplaudo a cena. É possível voltar ao sonho?

Alguns devaneios: contracapa de Pequenos Poemas em Prosa

2008-06-27T10:07:00.006-03:00

(Foto de Túlio Pinto dos meus trabalhos da Série Devaneios, exposição da Subterrânea na ESPM - PortoAlegre 2008)

Quem dentre nós não sonhou, nos seus dias de ambição, com o milagre de uma prosa poética, musical, sem ritmo e sem rima, flexível e desencontrada o bastante para adaptar-se aos movimentos líricos da alma, às ondulações do devaneio, aos sobressaltos da consciência? É sobretudo da freqüentação das cidades enormes, é do cruzamento de suas inumeráves relações que nasce este ideal obsecante.

Charles Baudelaire

O Desejo de Pintar - Baudelaire

2008-06-26T22:31:00.006-03:00

Infeliz pode ser o homem, mas feliz o artista que o desejo dilacera!
Estou louco por pintar aquela que apareceu tão raras vezes e tão depressa fugiu, como algo belo e fugaz fica atrás do viajante arrastado na noite. Como já faz tempo que ela desapareceu!
Ela é bela, e mais que bela; ela é surpreendente. Nela o negro excede: e tudo o que ela inspira é noturno e profundo. Seus olhos são dois antros em que cintila vagamente o mistério, e seu olhar ilumina como o raio: é uma explosão dentro das trevas.
Eu a compararia a um sol negro, se pudéssemos conceber um astro negro que vertesse a luz e a felicidade. Mas ela lembra mais facilmente a lua, que sem dúvida a marcou com sua temível influência; não aquela lua branca dos idílios, que se assemelha a uma noiva fria, mas a lua sinistra e embriagante, suspensa ao fundo de uma noite tempestuosa e transtornada pelas névoas que correm; não aquela lua mansa e discreta a visitar o sono dos homens puros, mas a lua arrancada do céu, vencida e revoltada, que as Feiticeiras tessalienses obrigam duramente a dançar sobre a relva apavorada!
Na sua fronte pequena residem a vontade tenaz e o amor pela presa. No entanto, na base deste rosto inquietante, em que narinas móveis aspiram o desconhecido e o impossível, rebenta, com graça indizível, o riso de uma grande boca, vermelha e branca, e deliciosa, que faz sonhar com o milagre de uma esplêndida flor desabrochada num terreno vulcânico.
Há mulheres que inspiram o desejo de vencê-las e desfrutá-las; mas esta dá vontade de morrer lentamente sob seu olhar.

Baudelaire, Charles Pierre: pequenos poemas em prosa. Florianópolis: ed. da UFSC, 1996. Trad.: Dorothée de
Bruchard, p. 189-190

Retornos

2008-06-25T18:43:00.011-03:00

Procurando uns textos hoje, encontrei este fragmento de fundo de armário: uma transcrição da fala do personagem Jesse James, numa cena do filme Antes do Pôr-do-Sol. Caiu como uma luva!

A filha dele de 5 anos sobe na mesa.
Ele sabe que ela deve descer,
ou pode se machucar.
Mas ela está com um vestido
de verão dançando uma música.
Ele olha pra ela, e, de repente,
volta a ter 16 anos.

E sua namorada do colegial
está o deixando em casa.
Eles acabam de perder
a virgindade, ela o ama...
E a mesma canção
está tocando no rádio do carro.
Ela sobe no capô do carro
e começa a dançar.
Ele fica preocupado com ela.
Ela é linda, tem a mesma expressão
facial que a filha dele.
Talvez por isso goste dela.
Sabe que não está se lembrando daquilo.
Ele está lá, vivendo ambos os momentos.

Por um instante,
a vida dele se desdobra.
Fica óbvio pra ele
que o tempo é uma mentira.
Tudo está acontecendo
ao mesmo tempo.
Um momento contém outro
que contém outro
Tudo acontece simultaneamente.
Enfim, a idéia é essa.

ESPM expõe obras dos artistas da Subterrânea

2008-03-20T19:42:00.009-03:00

Oi pessoal!
Convido a todos para comparecer no Espaço Cultural da ESPM (Guilherme Schell, 268)
na próxima terça-feira, dia 25 de março. Os artistas do Atelier Subterrânea (Adauany Zimovski, Antônio Augusto Bueno, Gabriel Netto, Guilherme Dable, James Zortéa, Lilian Maus, Luciano Zanette e Túlio Pinto) estarão expondo os seus trabalhos . Estaremos lá recebendo a todos a partir das 19h30min.
Aguardamos vocês lá!

Mais informações: subterranea.art.br

Migrando para o Blogger

2008-03-08T21:58:00.002-02:00

Hoje resolvi migrar definitivamente para o blogger, depois de problemas consecutivos com o antigo servidor. Espero dar continuidade aos rabiscos que vinha traçando desde
2005, que podem ser acessados (ou não!!!) em http://blec.lec.ufrgs.br/page/lilian.

O exercício diário tornou-se um bom vício.
Devo-lhe muito de mim.

Resolvi publicar de início um texto que produzi para a exposição Desenhos no Plural, realizada no DMAE, em Porto Alegre, do dia 4 ao dia 26 de março de 2008. A produção da mostra é de Juliana Lima, com quem mal iniciei uma parceria, mas já me encanta. Agradeço a todos que contribuíram, em especial, a cada um
dos artistas participantes.

Desenho no Plural – Exposição Coletiva

Quem de nós nunca recorreu ao desenho para expressar uma idéia, ou até mesmo para localizar-se na cidade? O desenho, que surge como a primeira forma gráfica de expressão do pensamento, ao longo de sua história, adere novos meios e formas.

Desenho é linguagem, pensamento, ação. Às vezes, ele flui num único golpe. Tão logo nasce como pensamento, escorre pelas veias, vertendo pela caneta em direção à superfície marcada.

Feito de linhas ou pontos deslocados, o desenho registra o atrito do corpo com a superfície, marca um percurso, onde a linha é o limite que poderá ainda borrar-se. Inscrita ou projetada, a linha diferencia campos, organiza o espaço e as idéias.

O desenho revela pela sombra por pertencer ao mundo das projeções. Nele lançamos nossos espíritos e também gravamos nossas memórias. Para tanto, é preciso criar estratégias e métodos. No meio do caminho, alguns projéteis são lançados e outros perdidos.

Com a linha nas mãos, Nathália García projeta/instala sua teia planificada sobre a galeria. Através de monotipias, Letícia Costa Gomes convida-nos a caminhar com os olhos em seus labirintos. Tchello d'Barros captura linhas imaginárias nas superfícies de contato do corpo. Gerson Reichert apodera-se de um convite para lançar palavras, encobrir superfícies e deslocar sentidos. Carlos Asp explora chão e parede, ao grafar a carvão corpos circulares rumo ao sem-fim. Nina Moraes faz do desenho trepadeira, de onde nascem os seus personagens. James Zortéa sobrepõe planos e projeta sombras de um jardim animado no espaço subterrâneo do DMAE.

Abertura: 4 de março, às 19h
Encerramento: 26 de março de 2008.
Visitação: de segunda a sexta, das 8h às 17h30
Local: Galeria do DMAE - R. 24 de Outubro, 200
Mais informações: http://dmaegaleriadearte@blogspot.com